Paul Heyman habla en profundidad sobre la creatividad de The Bloodline Saga, el papel en ella de Roman Reigns, y de su propio talento para la actuación. Todo ello en una reciente entrevista con Screenrant de la cual estaremos hablando dentro de poco haciéndonos eco de otros temas de los que habla también el miembro del Salón de la Fama de la WWE.
► La creatividad en The Bloodline Saga
«El concepto de The Bloodline fue algo que Roman Reigns y yo discutimos hace siete u ocho años, mucho antes de su creación oficial. En ese entonces, Roman aún estaba desarrollando su personaje frente a los fanáticos de WWE, destacándose en eventos principales de WrestleMania varias veces, lo cual ya es extraordinario de pensar. Por mi parte, yo estaba junto a Brock Lesnar en una racha increíblemente exitosa.
En aquel momento, las estrellas nunca se alinearon para unir a Roman Reigns y Paul Heyman. No era el momento adecuado. Pero en 2020, cuando el mundo se detuvo por la pandemia del COVID-19, todo cambió. Brock Lesnar regresó a su granja en Saskatchewan, y Roman Reigns dejó de aparecer en los programas debido a la necesidad de protocolos de seguridad para protegerlo. Además, su esposa acababa de dar a luz a un segundo par de gemelos, y ahora tenía cinco hijos corriendo por su casa. Por si fuera poco, Roman estaba frustrado con las ideas creativas que le presentaban; sentía que su personaje había llegado a un estancamiento y buscaba elevar tanto su figura como la forma en que WWE presentaba a sus talentos. Ninguna de las propuestas que le hacían le parecía adecuada.
Al mismo tiempo, yo había sido removido de mi rol como director ejecutivo de Monday Night Raw y estaba en casa cobrando un cheque semanal sin más responsabilidades. Así que, cuando surgió la idea de juntarnos, la respuesta fue clara: ‘Sí, esa es la solución que ambos buscamos’. Una vez que obtuvimos luz verde, Roman y yo comenzamos a compartir ideas sobre cómo queríamos cambiar la industria durante este período de COVID.
Ambos entendimos las limitaciones de no tener una audiencia en vivo, pero también vimos la oportunidad que eso nos brindaba para crear escenas y conceptos imposibles de realizar frente a un público en directo. Esto marcó el inicio de The Bloodline. Mi contribución fue colaborar con Roman diariamente para conceptualizar un nuevo género dentro del arte escénico que WWE había presentado durante tantos años.
El resultado fue una evolución no solo de Roman Reigns como personaje, sino también de cómo WWE podía contar historias de una manera más cinematográfica, aprovechando las circunstancias únicas que trajo la pandemia. The Bloodline no solo nació de una necesidad, sino de una visión compartida entre Roman Reigns y yo para elevar el estándar de la industria«.
► El papel creativo de Roman Reigns
«Creo firmemente que ningún artista de alto nivel puede mantenerse como tal sin tener una participación significativa en el proceso creativo. Es como las historias que se escuchan sobre Robert De Niro trabajando con Martin Scorsese, o cómo Jack Nicholson abordaba ciertas interpretaciones, o la forma en que Clint Eastwood, como director, da libertad a sus actores para que se apropien de los personajes que están interpretando. En este arte escénico, sucede lo mismo. Roman Reigns no podría ser un verdadero ‘Tribal Chief’ sin sentir las dimensiones, la esencia y las características del personaje, y sin definir cómo este enfrentaría las adversidades que enfrenta día a día.
En los años 80, Hulk Hogan tenía un gran control sobre su creatividad. Puedo afirmar que ‘Stone Cold’ Steve Austin y The Rock también tuvieron un papel decisivo en el desarrollo de sus personajes durante su auge. He visto a John Cena pasar horas discutiendo aspectos sobre cómo su personaje debería abordar diferentes circunstancias, y hasta ideando nuevas situaciones que la persona de John Cena, más allá del ser humano, debería enfrentar. Lo mismo sucede con Roman Reigns, The Bloodline, y conmigo, Paul Heyman. No conozco a nadie que haya permanecido en la cima tanto tiempo sin tener un control significativo sobre su personaje.
Además, el mundo del deporte y del entretenimiento, y más aún el del sports entertainment, es extremadamente competitivo. El lema siempre es: ‘apúrate y reemplázalo’. En el momento en que descubren a Michael Jordan, ya están buscando al próximo Michael Jordan. Lo mismo pasa con Steph Curry o cualquier otra estrella. Así que, cuando alguien se convierte en el mejor de su generación, o incluso en el mejor de todos los tiempos, inmediatamente empiezan a buscar al siguiente que lo supere. Por esta razón, si no tomas un enfoque activo y personal sobre la presentación de tu personaje, ya están buscando al que pueda reemplazarte. Es crucial mantener el personaje fresco en todo momento. Y para lograrlo, necesitas una gran participación en el proceso creativo, porque nadie más podrá aportar una versión tan clara y fresca de tu personaje como tú mismo. Nadie puede desear tu éxito más de lo que tú lo deseas«.
► La actuación de Paul Heyman
«Soy un estudiante voraz. Estudio ángulos de cámara, iluminación, sonido; estoy obsesionado con la dirección y he explorado diferentes maneras de abordar el rendimiento en nuestra industria. Gran parte de lo que hacemos es improvisación. Por lo general, sé el tema de lo que voy a hablar cuando salgo al escenario. Sé cuál es el mensaje que quiero transmitir al público, la ‘venta’ que intento hacer. Pero no siempre sé las palabras exactas que voy a usar. Tal vez tengo una o dos frases planeadas, pero aparte de eso, me baso en tomar el pulso del ambiente y reaccionar a ello.
Cuando haces esto por tanto tiempo, empiezas a dominar las sutilezas y los matices: leer la sala, entender cuánta paciencia tiene el público para escucharte hablar antes de que pierdan interés. Hay momentos en los que me digo: ‘Debo salir de aquí rápido porque la reacción se va a enfriar’. Y hay otras noches en las que pienso: ‘Esta audiencia está tan emocionada que puedo llevarlos al límite, construirlos hasta llegar a un frenesí’. Hay noches en las que podría, si quisiera, crear un disturbio; o hacer que todo el público se conmueva hasta las lágrimas. Y también hay noches en las que simplemente no están interesados, así que es mejor salir antes de perderlos por completo.
Esto se trata de esa sinergia interactiva que tienes con la audiencia. Me atrevería a decir que cualquier orador en público te diría algo similar. ¿Cuál es el núcleo de lo que quiero transmitir? ¿Cómo llevo ese núcleo al corazón del público? ¿Cómo logro que sientan lo que digo y que les importe? Si puedes hacerte esas preguntas antes de pasar la cortina y salir al escenario, o antes de que se encienda la luz roja en una cámara, entonces ya te has puesto en el lugar del espectador. Y una vez que estás en la mente del público, lo siguiente es preguntarte: ¿Cómo juego con sus emociones? ¿Cómo los hago invertir emocionalmente en el mensaje que estoy entregando?
Por ejemplo, si mi mensaje es sobre el oponente de Roman Reigns, sentado frente a mí en una mesa, quiero que el público sienta algo por esa persona. Quiero que les importe profundamente. Si quiero que el público sea empático con ellos, sé que mi tono y mi tenor dictarán la intensidad del momento. Por otro lado, si quiero que esa persona sea el antagonista, y que yo sea el protagonista, necesito ser vulnerable. Mi tono y tenor deben reflejar eso, para que el otro venga como el abusador, el antagonista completo de esta escena.
Se trata de cómo te aproximas al propio mundo de la narrativa y cómo construyes la emoción en función de la historia que estás contando«.
